·Disponibilidades materiales, tecnológicas y técnicas: la disponibilidad de materiales es amplia pues son productos de pintura acrílica fáciles de conseguir. Se cuenta con pinceles y canvas.
·Creatividad o estrategias significativas: se realizar varios bocetos para probar colores y texturas. Luego se procedió a elaborar la obra final en un momento específico del día de forma más espontánea en la colocación de elementos.
·Modelos o bocetos: los bocetos fueron utilizados para probar el material y las texturas con las que se quería experimentar, pero no hay un boceto concreto para la obra final, más bien pruebas materiales.
·Ejecución: para ejecutar esta obra se dispuso de un espacio abierto durante la noche, que funcionó para inspirar el uso de algunos colores.
·Cronograma: la obra fue desarrollada durante dos semanas desde su concepción como idea, luego por el proceso de selección de bocetos y posteriormente su ejecución final.
·Recursos extraestéticos: se espera que la obra sea exhibida en museos de arte contemporáneo o galerías, en espacio con buena iluminación. También en Internet.
·Posibles criterios de Evaluación: como la obra será exhibida en un museo, la forma más fácil de evaluar el éxito de la misma será con la concurrencia que tenga la sala y la posible aparición en medios de comunicación.
·Análisis de la obra
La obra hace referencia a los elementos naturales que se contraponen y están en constante cambio y simbiosis. El cuadro está colocado en forma horizontal para ayudar a la sensación de movimiento que guía la mirada por los elementos de fuego que se alzan en lo que podría ser un cielo nocturno.
Clasificación por tipo de producto.
Esta obra está entre las representaciones visuales de carácter artístico, por lo cual no puede ser explicado de manera universal ni de forma atemporal. Este tipo de representaciones esta implícita la codificación y decodificación del mensaje. Por esto cada persona que vea esta pintura podría darle significados diferentes, pues depende de la experiencia personal para la interpretación de la misma. El lenguaje por si solo no posee ninguna referencia a través de la cual el espectador pueda desarrollar su propio significado.
Como propuestas de posibles análisis por parte del espectador está el mensaje manifiesto, que serían los colores posiblemente referentes al agua y al fuego. El mensaje implícito podría generar en el espectador la sensación de contraposición, enfrentamiento o bien, equilibrio, ya que los colores son complementarios y podría darles una idea más filosófica acerca de este enfrentamiento.
Proceso:
Consumo:
La obra está pensada para ser exhibida en una galería durante una exposición colectiva. Posteriormente será fotografiada y puesta en medios masivos como Facebook , el blog de la autora y otras galerías web a las cuales está adscrita.
1. Tipos de representaciones visuales según las características físicas del soporte:
Bidimensionales
La realidad tridimensional se transforma en una superficie de dos dimensiones.
Cuando representan movimiento se entra dentro de la segunda categoría, productos visuales que vemos en televisión, cine, video o computadora.
Tridimensionales
Si el soporte que elegimos para representar la realidad pasa a ser de tres dimensiones, como ocurre con la escultura, tambien tenemos la posibilidad de que los resultados sean fijos o en movimiento.
2.Tipos de representaciones visuales según su función:
Informativas
Tienen como objetivo el traspaso de información entre el emisor y el receptor:
·Epistemológicos: representan la realidad de la forma más verosímil.
·Simbólicos: transmiten determinada información, pero ésta es de carácter abstracto, de manera que no se puede recurrir a la realidad para configurar dicha imagen, sencillamente porque en la realidad para configurar dicha imagen, sencillamente, porque en la realidad no existen la paz o el odio como elementos físicos tangibles, lo que no quiere decir que tales conceptos no sean representables.
·Didácticos: transmiten determinada información para que el receptor aprenda uno o varios conceptos.
Comerciales:
venta de un producto o de un servicio.
Clasificación por tipo de producto:
Orientados a vender y orientados a entretener:
Características:
·El producto de entretenimiento tambien es un producto en sí mismo (película o revista)
·Representación visul orientada al entretenimiento encubre la venta de algo.
·A traves del producto orientado al entretenimiento se vende la audiencia, series de televisión.
Productos visuales para el entretenimiento:
·PRENSA DIARIA: ilustraciones revistas femeninas, masculinas, comics, coleccionables etc.
·TELEVISIÓN: imágenes de los formatos televisivos dedicados al entretenimiento: series, concursos etc.
·Espacios de ocio: esculturas, decoración.
3.Características de representaciones visuales comerciales según el lugar de comunicación del producto:
Exteriores: operan en los lugares donde el consumidor no se encuentra en posición de compra.
Interiores: nuestra condición psicológica se altera y pasamos a estar en posición de compra.
4. Representaciones visuales de carácter artístico:
Propiedades generales: no puede ser explicado de manera universal ni de forma atemporal, en esta representación está implícita la codificación y la decodificación de mensajes.
Lenguaje nuevo pose alguna referencia a través de la cual el espectador desarrolle su propio significado.
·Pintura, grabado, serigrafía etc.
Elementos clave de las representaciones visuales actuales:
Las artes visuales reflejan a la sociedad donde han sido creadas. El artista sufre transformación para convertirse en una especie de “revolucionario visual” . los medios que se utilizaban anteriormente no pueden ser los mismos que utilizamos actualmente.
El artista actual entiende su trabajo como un proceso con inicio y final que necesita organización y perseverancia para llegar a su fin.
El espectador debe esforzarse para pasar de la contemplación a la comprensión.
UNA PROPUESTA DE ANÁLISIS:
MENSAJE MANIFIESTO: información explícita, aquella que el espectador cree que está recibiendo.
MENSAJE LATENTE: información implícita, aquella que el espectador recibe de verdad, pero sin darse cuenta de ello la mayoría de las veces.
UNA PROPUESTA PARA LLEGAR AL MENSAJE: a) clasificación del producto visual : . clasificación por las características físicas del soporte. – clasificación por función
b)estudio del contenido de un producto visual:-análisis preiconográfico de los elementos narrativos. –análisis preiconografico de las herramientas del lenguaje visual.- análisis icnográfico. –análisis iconográfico de la narración. –fundido.
c) estudio del contexto:- autor o autores.-lugares.-momentos.
d) enunciación de los mansaje manifiesto y latente: -mensaje manifiesto.-mensaje latente.
1.Enunciación del problema. Puede ser indicado por el diseñador o la industria, deacuerdo con un análisis de las necesidades. Se debe hacer una definición exacta del mismo.
2.Identificación de los aspectos y de las funciones. El problema se analiza bajo dos componentes principales: el físico y el psicológico. El físico se refiere a la forma que ha de tener el objeto y el psicológico, a la relación entre el objeto y su usuario. En lo físico se hace una comprobación técnica y económica. Y en la psicológica una comprobación culturl, histórica y geográfica para ver si ya ha sido abordado.
3.Límites. De acuerdo con otros datos que puedan deducirse de una investigación, tiempo de duración del objeto, si ha de usarse partes prefabricadas, sobre el conocimiento de reglas, de determinadas formas y colores u otras exigencias del mercado.
4.Disponibilidades tecnológicas. Se ha de tener en cuenta que el proyecto se ha de realizar con materias y técnicas determinadas, con el fin de obtener el mejor resultado con el menor costo.
5.Creatividad. Entra en escena la creatividad del diseñador, sabe que la creatividad lírica no sirve para una buena proyectación. Debe operar con la síntesis de los elementos recogidos y analizados. De este tipo de creatividad nace una estética de la lógica.
6.Modelos. De esta síntesis creativa nacen los modelos. Estos modelos se someten a un examen de selección por parte de cierto tipo de usuarios. El diseñador elige el más sencillo y pasa al prototipo.
En la investigación de este trabajo se utilizaron varios textos propuestos durante las lecciones. Primeramente se planteó un proyecto hipotético dirigido a un análisis sintáctico, posteriormente con la elaboración de un boceto se procede a crear una herramienta de evaluación, en este caso una encuesta que es presentada a 15 participantes que nunca habían visto la imagen y se les pide que respondan preguntas abiertas sobre lo que para ellos significa la imagen.
Encuesta aplicada:
1- ¿Qué ve usted en la imagen?
2 ¿Qué elemento fue el primero que vio al presentársele la imagen?
3- ¿Hay algo que le llame la atención particularmente? Si es así, ¿qué cosa?
4- ¿Qué le trasmiten los colores utilizados?
5- ¿Las texturas que le remite?
6- ¿Qué sentimientos le trasmite la imagen?
7- En síntesis, ¿para usted que significa la imagen?
Por medio de la recolección de datos en la encuesta se logró tabular de forma rápida y eficaz los datos necesarios para una interpretación dela imagen por parte de la población.
Por medio de un marco teórico selogra analizar los datos recogidos por la encuesta desde un punto de vista semántico y así darle cuerpo a las posibles significaciones que los encuestados concluyeron.
Se logró concluir, después del análisis de datos por medio de criterios semánticos que los colores si juegan un papel muy importante en la significación de las personas respecto a la imagen. El contraste de colores es la principal atracción de la imagen, además de provocar división de planos, le da dinamismo a la composición. Los colores cálidos si trasmitieron los sentimientos pasionales y fue lo que más llamó la a tención del cuadro. Los colores fríos generaron respuestas de melancolía, introspección y serenidad. La analogía con plumas fue más una cuestión de identificación de formas, sin embargo el identificar el azul con el agua o el cielo y el rojo con fuego, denotan la relación que hacen las personas con los colores y texturas de estos elementos naturales.
El tratamiento de formas y colores en general si logró trasmitir el significado que originalmente se había propuesto, es decir, la gente si percibió lo que se trataba de trasmitir con los colores y el juego de contrastes. Los sentimientos de dualismo y contraposición son claros en su significación, además de que los colores si significaron lo que se tenía previsto.
Universidad de Costa Rica Escuela de Artes Plásticas
Semiosis de Producción
Profesor Rodolfo Rojas Rocha
Integrantes: Denise Cordero Zúñiga - Cristina González Salazar- Adriana Meléndez Jiménez - Gloriana Solís
Alpizar - Leyla Vargas Zaxar
Si revisamos la lectura de Justo Villafañe “Introducción a la Teoría de la imagen”, en su capítulo Los
elementos morfológicos de la imagen, podremos encontrar que estos poseen una naturaleza espacial, es
decir, su estructura se encuentra en el espacio plástico y son los únicos elementos de la representación que
tienen una presencia material y tangible de la imagen.
Cada uno de estos elementos (que se mencionarán enseguida) tienen una complejidad objetiva variable, la
importancia o predominancia de alguno de ellos solo reside en función a la necesidad de satisfacer una
solución icónica. “la complejidad de algunos elementos morfológicos sólo es analizable en función de la
capacidad que algunos de ellos tienen de asimilar otros más sencillos. La forma puede estar integrada por
líneas y éstas, a su vez por puntos; el color implica, en muchos casos, la textura, etc.“
El autor nos habla entonces específicamente del punto, la línea, el plano, la textura y el color. A pesar de que
todos estos elementos morfológicos son fundamentales en el presente documentos solo nos enfocaremos en
la línea y sus características.
Antes que nada se menciona que la línea es un elemento visual de primer orden. Sus usos como medio de
comunicación visual son múltiples (como por ejemplo el paisaje urbano limitado por estructuras lineales). A
pesar de esto Berger indica que la línea queda fuera del dominio del arte -no entra en la realidad- si no
manifiesta su real naturaleza es decir: su cualidad gráfica. El mismo afirma que la línea tiene dos grandes
funciones que son la de señalar y significar.
• La línea tiene la capacidad de crear vectores de dirección que aportan dinamicidad a la imagen. Estos
vectores direccionales crean relaciones entre los elementos de la composición (condicionan la
lectura de la imagen).
• La línea separa dos planos entre sí, en especial los contornos lineales que diferencian
cualitativamente dos áreas de distinta intensidad visual. Esta separación de planos también se
puede dar por otros elementos como por ejemplo el color, pero la se percibe aunque no exista.
• La línea provee a los objetos bidimensionales de volumen ya sea por el sombreado (superposición de
líneas curvas que se le agregan al contorno)
• La línea tiene la capacidad de representar la tercera dimensión por medio del uso de diagonales para
favorecer la composición de objetos de estructura lineal (cuando ningún otro elemento pueda
resolverlo). Esto hace que la línea es un elemento dinamizador.
• La línea es un elemento plástico con la fuerza suficiente para ser el vehículo las características
estructurales (forma, proporción, etc.) de cualquier objeto. Es la base del dibujo y en muchas
imágenes llega a constituirse en un elemento dominante.
La línea a veces puede ser considerado un elemento polivalente, ya que su actividad plástica y su aspecto
morfológico varían constantemente. Ya sea que la línea esté implícita y que se conforme solo por la
yuxtaposición de dos planos cromáticos hasta la representación de un objeto construido solo por las lineas. Se
pueden reconocer diversos niveles: la linea objetual (constituye la estructura formal-materialidad), la linea de
sombreado (trama da volumen y profundidad), linea de contorno (definición formal ej. pintura primitiva).
Hipótesis: En los periodos del Gótico, Renacimiento, Impresionismo, Cubismo y
Abstraccionismo, la línea se ha utilizado para separar los planos y dar un sentido de profundidad en
la obra pictórica
Gótico
Cristo desciende a los Infiernos por Jaime Serra.
En el periodo Gótico predomina la estilización de las figuras, las líneas curvas tanto en los pliegues
como en las posturas corporales, la introducción de detalles naturalistas con fines simbólicos y el empleo de
una técnica minuciosa. La línea pasa a tener una función de generar detalle, pero sin profundidad.Tratan
temas religiosos, con gran finura de detalles en la figura humana, igual sin profundidad. Los pintores se
esfuerzan por lograr la naturalidad y reproducen gestos y ademanes con exactitud, un poco exagerado hacia
lo dramático.
El dibujo tiene una gran importancia: delimita formas, marca modelados, creando ritmos
compositivos. Se da importancia del modelado, desde tonos planos al juego de contraluces.
La composición tiene muy en cuenta el eje de simetría, con los elementos orientados hacia el centro teórico
del cuadro. Las masas cromáticas son de gran intensidad, siendo éstas más importante que la valoración
tonal. Se plantean escenas sencillas que buscan el fácil entendimiento por parte de aquellas personas que lo
observen. Se busca principalmente un arte amable, relacionado con el pensamiento de esta época. Existe la
tendencia a introducir detalles aparentemente naturalistas pero con un carácter simbólico muy definido. Todo
esto contribuye a la aplicación de una técnica minuciosa y detallista.
Renacimiento
Obra Adoración de los Magos por Sandro Botticelli
En el Renacimiento el uso de la línea fue primordial para definir la forma, sobre todo en el caso de la
escuela Florentina, estas obras mostraban un predominio de la línea sobre el color, como producto del
dominio del dibujo en las obras pictóricas. La imagen se configura con una línea de contorno muy marcada, de
manera que el color debe encajar dentro de esta, el efecto figura-fondo no es primordial hasta el invento de
sfumatto con Leonardo da Vinci, donde la línea se pierde en el fondo. “Rafael parece encarnar el gusto clásico
puro, heredero de la Escuela Florentina, al inclinarse por más hacia el dibujo perfecto de las formas
recortadas y definidas.”#
En este periodo tanto el color como los elementos que conforman la pintura se ven contenidos en
una estructura basada en líneas de referencia, denominada perspectiva lineal, las cuales convergen en un
punto de fuga. La separación de planos en el Renacimiento se da por el uso de estas líneas, las cuales
configuran la proporción y escala de cada figura, su correcta ubicación en el espacio para crear la ilusión de
profundidad.
El carácter de la línea, su grosor y cercanía, determinaba el plano en el cual se ubicaba un
elemento. La línea crea los volúmenes de objetos, por ejemplo, los pliegues de las vestimentas, los cabellos...
y delimita los detalles. La línea como elemento de la forma, modifica a otros elementos de la forma como lo
son la escala, el espacio, la proximidad, ritmo y balance, elementos que en conjunto conforman la estructura
del Renacimiento. en este periodo la línea otorga el balance y equilibrio en la composición, también determina
la simetría en la composición, ubicando los objetos hacia el centro del soporte, esquivando los bordes.
El uso de la línea también se enfocó hacia la estructura del diseño, el uso de líneas virtuales en la
composición, explotándose las verticales, horizontales y diagonales. Por ejemplo, en la Adoración de los
magos de Botticelli, se puede observar una fuerte vertical en el centro de la obra y dos secundarias a cada
lado y a una distancia similar del límite del plano, así como una horizontal, también hacia la sección media de
la pintura. La utilización de diagonales refuerza el sentido de la perspectiva y propone formas triangulares que
se ven recalcadas por la dirección en que son colocadas las personas en esta pintura, es decir, la figuras se
ubican de manera inclinada siguiendo la línea de perspectiva.
Cubismo
Obra Las Señoritas de Avignon por Pablo Picasso
En el cubismo no es el color, sino la línea la que crea la figura y compone el cuadro. Sus obras no
son producto de la casualidad sino de un proceso de creación meditado y consciente. En este movimiento
artístico se representan temas y objetos desde múltiples perspectivas, como son concebidos por la mente no
como son vistos, superponiendo temas y objetos por medio de trazados geométricos angulares (compuestos
por líneas) y uso limitado del color. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas
observadas en la naturaleza son observadas como triángulos, conos, cilindros, cubos, entre otros. Su ruptura
con la tradición renacentista e impresionista es total, y busca un nuevo espacio pictórico para sus formas.
Rechazan la perspectiva y el movimiento dándole primacía a la línea y a la forma. Uno de sus principales
exponentes es Pablo Picasso quien propuso en sus obras la fragmentación del espacio es decir la
descomposición en planos por medio del uso de la línea. Su primera obra dentro de este estilo es “Las
señoritas de Avignon” donde la línea juega un papel protagónico pues es el elemento predominante en la
misma.
El uso de la línea también se enfocó en la descomposición de los objetos en otros nuevos, así
presentándole al espectador una nueva opción, algo diferente una realidad diferente que no existía y que ha
sido creada. Otra de las participaciones que tuvo la línea dentro de este movimiento fue intentar combinar la
tridimensionalidad de la realidad con la bidimensionalidad de la obra artística. Por otro lado la línea formó
parte a la hora de la utilización de la luz pues ésta procedía de todas direcciones pero de forma lineal.Cabe
destacar que en el Cubismo cuando se trata del término línea no sólo se refiere a esta como recta sino
también curva, pues también se hace referencia al Cubismo curvilíneo.
En la composición de la obra “Las señoritas de Avignon”, la línea funciona como separadora de
planos entre sí. En este caso las líneas que cumplen este papel son las de contorno, esto se presenta en la
separación que existe entre los cuerpos, quienes a su vez se diferencian de las telas que se encuentran en el
último y primer (tela con frutas en la mitad inferior del recuadro) plano. Esta división también se puede llevar a
cabo por medio de otros elementos, por ejemplo el color, donde la línea se percibe aunque ésta no exista, lo
podemos observar en varios sectores de la pintura entre el plano de las telas y el de los cuerpos. La línea
además le brinda a la obra profundidad, facilitando la creación de volúmenes. Existen varias líneas en los
cuerpos de las señoritas que permiten observar el volumen en los pechos, las articulaciones, rostros entre
otros. También son utilizadas con este fin en las telas representando sus pliegues y sobre posición entre ellas
y los cuerpos de las señoritas.
Postimpresionismo
Habitación en Arles Vincent por Vincent van Gogh
En el Postimpresionismo, la línea se presenta acompañada del color como hacedores del contorno,
es decir, los elementos en la pintura están delimitados por la línea, pero esta se ve apoyada por el color, la
línea tiene color. La línea se explota tanto en forma de recta como con curvas, asimismo, se observa en
formas irregulares o delimita espacios de color, en algunos casos es orgánica y sigue curvas.
Los planos se separan por la fuerza y grosor de la línea, así como por contrastes de forma y color.
La profundidad es dada por la colocación de las líneas en el espacio y la cantidad de estas: lo más lejano está
más subdividido y las líneas más angostas. En la obra de Van Gogh se puede observar el uso de líneas de
perspectiva de manera menos desarrollada o matemática como en el Renacimiento, pero es un indicador de
profundidad. Asimismo, la línea se utiliza para conformar los contornos de los objetos y tiene gran peso visual
debido al contraste. La línea es la que define la pintura.
Abstraccionismo
Obra VIII por Kandinsky
Para Kandinsky, la línea es una melodía. “Las líneas delgadas son agudas. Las líneas gruesas son
graves”. Lo más grave es lo ya establecido, lo pesado, lo lento, la base de la construcción, la masa. Lo agudo,
alude a que siempre lo mas delgado, a la viveza y rapidez, al lugar por donde se rompe la línea. También lo
mas agudo es obviamente la agudeza, la inteligencia, la astucia. La línea recta requiere de un menor tiempo
para cumplirse. La curva requiere de uno mayor. Lo curvo tiene que ver con un tiempo circular.”
En la obra de Kandinsky y a través de sus escritos podemos observar la gran importancia que
tenían las formas más elementales para esta artista. en la obra VIII podemos observar tres tipos de líneas,
horizontales, verticales y diagonales que según el artista reflejan diferentes sensaciones. También son
importantes las interacciones que hay entre estas líneas, que forman ángulos y otras formas geométricas.
También en relación al plano las líneas puedes estar ordenadas con un centro común o fuera de éste, como
en la mayoría de las obras de Kandinsky y en este cuadro: rectas libres acéntricas que desarrollan una
relación más libre con el plano, menos fusionadas con él y parecen agujerearlo.
En la obra de Kandinsky, la línea es de tipo objetual, o sea, se percibe como un objeto
unidimensional. En las obras abstractas, el uso de planos no es tan evidente, sin embargo, se percibe el
dinamismo que hay entre ellos, en esta obra los planos están dados por la superposición de los elementos.
Conclusión
Luego del análisis se pudo observar que la hipótesis no se puede aplicar de manera uniforme para todas las
obras, aunque si hay diferentes “momentos” o funciones en la línea que pueden aplicar en unas obras de
diferente manera. Por ejemplo, en algunas obras como en el gótico y el renacimiento la línea contornea las
formas y separa los objetos de los diferentes planos en términos característicos del dibujo (profundidad y
planos), pero en el caso del abstraccionismo, postimpresionismo y el cubismo la línea se vuelve obvia pero
por medio bloques del color o la pincelada.
A pesar de las diferencias entre movimientos artísticos, la línea siempre ha sido imprescindible para la
creación de las imágenes y el desarrollo de la composición de la obra plástica, asimismo, es interesante cómo
un movimiento influye a otro en cuanto a la manera que utiliza este recurso, por ejemplo el Renacimiento y
Postimpresionismo, donde existe una clara relación en el uso de líneas de perspectiva.
Es más que evidente que la línea es un elemento que logra, mediante un uso adecuado, crear la ilusión de
profundidad. Vemos como a través de las diferentes épocas, los artistas han descubierto las propiedades y
ventajas de la línea, otorgando mayor credibilidad a su obra, o bien, creando nuevas propuestas como el caso
de movimientos más contemporáneos.
Bibliografía
González, K (2004) Historia general del arte. San José, Costa Rica: EUNED
